paris mushrooms

Tracciava sull’oblò il ghiaccio
Geometrie
Allusioni
Klee ridotto a brina atmosferica
Sogni
O volti
Che la memoria

                       avrà

                       trascurato

A Parigi o chissà in quale altrove
E che l’hostess non guarda
E che
L’hostess
Non
Guarda
Ha già abbastanza da fare col suo caffé solubile
Ha già abbastanza detto
                       delle ragioni
                       funeste
                       del volo
Ed io che non avrei dovuto sporgermi sul baratro
Per vederne la fine
Per non vederne che l’inizio soltanto
Nella foschia intensa che Roma
Avvolgeva

saluto la mia donna in una mansarda.
siamo distesi. Scatto una foto alla sua migliore amica. verso il basso.
Giungo in una casa. é di un uomo. La presta a me perché conosco una sua amica.
La sua amica arriva.
Vivremo insieme.
Una sera ho anche un ospite. Una donna. Arriva e non cena, anche se dovrebbe.
Vuole solo il caffé, ed io le parlo al presente, consapevole di essere in un futuro ipotetico.

Ma esco quasi subito sul lungomare. Dove vivrò per sempre. In una casa di cui conosco solo il salone.
Una casa vecchia del litorale laziale. Con giardino e piastrelle anni ‘60, ma proprio davanti un lungomare californiano. Anche se ombroso e grigio e forse invernale.
Scatto una foto.
Scatto una foto.
Ed un terremoto ci sorprende tutti.
L’asfalto davanti a noi è un serpente che odeggia fra la sschiuma del maremoto.
Una folla ci cammina sopra, sospinta dal moto ondoso del terreno, come surfisti dalle onde dell’oceano.
Scatto una foto.
La macchina fotografica rimane a disposizione dei passanti. Che vogliano riprendere la terra sottosopra.
Nessuno la ruba.
Nessuno ha paura. Ed io neanche.
Dal giardino alla casa, dalla casa al giardino.
Andata e ritorno. Andata e ritorno.
E Gildas, alla fine, mi chiede di che colore io voglia la mia bicicletta.

Staring at
The death of sipario
The death of my theater

Moi – que je dors -
Avec la fièvre
Transpire
Transpire
Et mon corps qui reste
Sous le suaire des rêves
Cauchemardant t’enlève
Plus haut
Il ne reste que le temps
Te bloquer
l’envolée

Roma – «Una linea sogno. Non avevamo mai lasciato sognare una linea, fino a questo momento». È con queste parole che Michaux parlava della pittura di Paul Klee, evocandone a ragione la forza generatrice e sognante. La stessa forza percorre oggi le sale della mostra allestita in memoria del grande artista svizzero dalla Fondazione Memmo a Palazzo Ruspoli dal 13 ottobre al 7 gennaio. L’allestimento – curato da Olivier, figlio del grande collezionista Heinz Berggruen – mette insieme opere conservate a Parigi, Berlino e New York e le raccoglie in un buio mistico, in cui i quadri sono improvvise illuminazioni, segni di una realtà che pesca da una abbecedario infantile, elementare.
Segni, appunto, nell’accezione heideggeriana del termine. Segni che si presentano in sé come alfabeto muto della realtà ed espressioni di una durata oltre il confine stesso del mondo. Sinfonie di il tempo. Segni che si aprono ad una poesia al di là dell’astrattismo puro: è proprio la distanza di Klee da Malevič e Kandinskij ne fa la potenza fascinatrice.
Quando il processo di destrutturazione della realtà avviato da Cézanne si combinò nei primi del Novecento alle più recenti teorie psicanalitiche e quantistiche, l’astrattismo tentò la strada di una rappresentazione matematica della realtà. Concezione paradossalmente romantica, in quanto basata sulla convinzione che la matematica potesse essere un’espressione delle strutture che compongono il reale e per questo più schietta e diretta. Paul Klee si rese conto che il segno è sempre condannato ad una dimensione interpretativa: esso esprime la sua polifonia nei brevi momenti in cui deraglia dal linguaggio. «L’arte non riproduce il visibile, ma rende visibile».
Nella Bauhaus Klee si distingue per essere uno dei più convinti propugnatori di una tendenza panica, nella concezione dell’uomo come parte integrante della natura. Qualcosa di messianico si aggira nella linea di Klee, lavorata al tornio in una complessità che tutto comprende nelle spire di un serpente; lo stesso serpente egizio, Apopis, che gli servì da ispirazione nell’avvicinamento ad una concezione esoterica – warburgiana, direi – dell’immagine, destinata sempre ad occupare lo spazio di una significazione.
Nella pittura di Klee accade che il pulviscolo atmosferico si disperda in migliaia di pixel la cui forza allusiva travalica l’immagine nella densità della visione (“Costa classica”); accade che invisibili rapporti di forza, stati mentali ed emozioni si esprimano nell’elementarità direzionale di frecce (“Uccelli in picchiata e frecce” e “L’innamorato”). Oppure si apre un dialogo col passato pittorico: i volumi di Cézanne diventano forme esplicitamente geometriche, appese ai rami di un pero o solo sospese nello skyline di una metropoli (“Frutti sospesi”, “La città che punta in alto”).
Ed il tempo diventa durata, espressa nella complessità materica delle garze incollate e sovrapposte, a superare il discorso di Malevič con anticipo straordinario sulla pittura materica (“Il tempo”). Ma la forza rimane nel disegno arzigogolato, che si presenta ancora come il tentativo di comprendere la straordinaria complessità del mondo: macchine celibi o mobiles fatti di turbine ed eliche sono lì a rappresentare un porto di mare o insondabili perversioni. È per questo che l’astrattismo di Klee ha una potenza straordinariamente realistica: è un astrattismo che volta le spalle all’astrattismo.

Roma – Un cassonetto. Un uomo ne esce. Il tempo trascorre fra le blaterazioni intellettuali di un folle o di un savio. Non importa: è un ente narrante incompreso e derelitto e triste e allegro ed ignaro alle cui spalle scorrono le vite di una umanità varia e stereotipata. Umanità cristallizzata in forme, abiti, professioni: spazzini, preti, operai. Umanità destinata a spogliarsi nella spazzatura; piegata ad un processo di consunzione costante ed implacabile. Consunzione ritmica, ma mai ossessiva o disperata, perché trattata con un bagno di sana stupidità organizzata, di surreale ed irresistibile gusto per le banane.
“Canto alla durata” di Peter Handke assume questa forma sotto l’ingegno figurativo di Riccardo Caporossi e Claudio Remondi e prende il nome di “Scarto”.
La durata, il tempo: la griglia in cui Remondi & Caporossi in anni di onorata carriera nel teatro di ricerca hanno costruito tutti i propri spettacoli. Ed anzi, in un certo senso la sintesi visiva a cui ci hanno abituati partecipa di un sentimento temporale. La durata è il nerbo degli spettacoli di Remondi & Caporossi. Un avvicinamento naturale, dunque, come quello a Beckett, già visto per “Altri giorni felici”.
Nel teatro di Remondi e Caporossi lo spazio è durata e la durata è esattamente “la sensazione di vivere”: l’uomo è un pezzo di universo fra scarpe e cappello. La forma si combina facilmente al suono, ad un ritmo quasi casuale e poi sempre più preciso. La realtà si anima perdendo la sua concretezza e rivelandosi in immagini ipnotiche e astratte.
E’ il teatro di Remondi & Caporossi, ben più vicino alla realtà di quanto non si creda. Ad essa aperto con rivelazioni improvvise e finanche virate improvvise dall’ironia dei nonsense trasognati ad un irresistibile scoppio di rabbia. Come quando, la testa nella televisione, infine, una di queste pazze ed insensate presenze sceniche segnala una emergenza. Segnala con terrore che la durata viene assorbita da un tubo catodico e prega la televisione di spegnersi, offrendole anche un ospizio perenne.

Visto a Roma – Teatro Sala Uno – Fino al 15 ottobre 2006

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Il y a de l’ironie, des fois, dans les regards des alcooliques.